Cultura decimonónica del arte

Lectura de Gombrich Ernst Historia del Arte

FRANCISCO DE GOYA

El gran pintor español Francisco de Goya (1746-1828). Era un gran conocedor de la mejor tradición de la pintura española, que había producido El Greco y a Velazquez y sus Majas en un balcón demuestra que no renuncio al brillante colorido de los pintores anteriores en favor de la grandiosidad clásica. También pinto El rey Fernando VII en un campamento.

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El pintor veneciano Giovanni Barrista Tiepolo había acabado sus días como pintor de la corte de Madrid y en los cuadros de Goya se encuentran trazas de la influencia de este personaje. Las figuras de Goya pertenecen a un mundo distinto. Sus retratos recuerdan superficialmente los de Van Dyck y Reynolds. Mira a sus modelos con otros ojos. No es que halagaran a los poderosos, si no que Goya parece exento de piedad. Goya hacia que en sus rasgos se revelara su vanidad y fealdad, su codicia y vacuidad.

No solo mantuvo en sus retratos su independencia de los convencionalismos. Al igual que Rembrandt, produjo un gran número de aguafuertes, con aguatinta, la cual no solo permite grabar las líneas sino también modificar las manchas. Muchas de ellas son visiones fantásticas de brujas y apariciones espantosas. Algunas son consideradas acusaciones contra los poderes de la estupidez y la reacción, la opresión y la crueldad humana que observo Goya en España. Otras parecen sus pesadillas. Parece que Goya pensaba en su país oprimido o en una imagen como si fuera un poema. Los artistas pues, pasaron a sentirse en libertad de plasmar sus visiones sobre el papel como solo los poetas habían hecho entonces.

“Debido a la pérdida de audición y a las secuelas de la grave enfermedad que había padecido, el maestro tuvo que adaptarse a un nuevo tipo de vida. No menguó, pese a lo que se ha dicho en ocasiones, su capacidad productiva ni su genio creativo. Siguió pintando y todavía realizaría grandes obras maestras de la historia del arte. La pérdida de capacidad auditiva le abriría, sin lugar a dudas, las puertas de un nuevo universo pictórico. Los graves problemas de comunicación y relación que la sordera ocasionan, harían también que Goya iniciase un proceso de introversión y aislamiento. El pesimismo, la representación de una realidad deformada y el matiz grotesco de algunas de sus posteriores pinturas son, en realidad, una manifestación de su aislada y singular (aunque extremadamente lúcida) interpretación de la época que le tocó vivir.

En el Museo del Prado se conserva La joven de Burdeos o La lechera de Burdeos (1825-1827), una de sus últimas obras. Pero acaso su auténtico testamento había sido fijado ya sobre el yeso en su quinta de Madrid algunos años antes: Saturno devorando a un hijo, es sin duda, una de las pinturas más inquietantes de todos los tiempos, síntesis inimitable de un estilo, que reúne extrañamente lo trágico y lo grotesco, y espejo de un Goya, visionario, sutil, penetrante, lúcido y descarnado.”(Biografias y vidas, s.f.)

WILLIAM BLAKE

El ejemplo más sobresaliente de esta nueva dimensión del arte fue el del poeta y místico inglés William Blake (1757-1827), once años más joven que Goya. Blake fue un hombre profundamente religioso que vivio encerrado en su propio mundo, desdeñado del arte oficial de las academias y renunciando a aceptar sus normas. Muchos lo creyeron loco, otros lo menospreciaron y algunos creyeron en su arte. Vivió realizando grabados, unas veces para otros y en ocasiones para ilustrar sus propios poemas.

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Blake fue un gran admirador de Miguel Ángel por lo tanto esta pintura tiene algo de la figura de Dios. En sus manos la figura se ha convertido en maravillosa y fantástica. Blake se formó una mitología peculiar, y en la pintura no es Dios, sino un ser mitológico que creo el pintor, Urizen. Concibió a Urizen como un creador del mundo, juzgo también que este era perverso, siendo por consiguiente su creador un espíritu maligno.

Blake estuvo tan sumido en sus visiones que rechazo dibujar del natural y confió enteramente en su mirada interior. Es fácil señalar errores en sus dibujos, pero así se ignoraría el objeto de su arte. Al igual que los artistas medievales, no se preocupó de la perfecta reproducción de las figuras, porque el sentido de cada una de las que componían sus sueños fue de tanta importancia para el que la simple cuestión de su corrección le parecía trivial. Fue el primer artista después del Renacimiento que de este modo se rebeló a las normas de tradición.

“La lectura de textos de literatura mística y ocultista le afianzó en sus creencias sobre el valor de su experiencia de visionario. Su idea cardinal llegó a ser la desconfianza absoluta en el testimonio de los sentidos; para William Blake, éstos suponen barreras que se interponen entre el alma y la verdadera sabiduría y el goce de la eternidad. Al negar el mundo sensible, no veía las cosas como aparecen, sino únicamente los tipos y las ideas eternas y más reales que aquellas mismas: no los corderos, sino el Cordero, ni los tigres, antes bien el Tigre. Tales arquetipos se presentaban a sus ojos con un relieve particular, que dio lugar a la manera exaltada de sus grabados. Como artista, por tanto, Blake resulta un típico “manierista”, en la línea de Fuseli: en él se realiza la disolución de las formas clásicas, y ello sin que se haya llegado todavía al nuevo equilibrio romántico.

La gran intensidad visionaria de William Blake se refleja tanto en su obra poética como pictórica. El rechazo a la observación directa de la naturaleza como fuente creativa le llevó a encerrarse únicamente en su mirada interior. Así, creaba sus figuras sin preocuparse de la estructura anatómica o de las proporciones, pues consideraba que corregir lo que fielmente había plasmado de su visión interior resultaba demasiado banal, ligero y superficial para un proceso que, como él mismo dijo, se adentraba en “proporciones de eternidad demasiado grandes para el ojo del hombre”.” (Biografias y vidas, s.f.)

WILLIAM TURNER

Existió una figura de la rama que se aprovechó mucho de la nueva libertad del artista en su elección de temas: la pintura de paisajes. Hasta entonces esta había sido considerada como una rama menor del arte. En particular los pintores que habían consagrado su existencia a pintar vistas de las residencias campestres, parques o perspectivas pintorescas no eran considerados seriamente como artistas. Esta actitud cambio un tanto como consecuencia del espíritu romántico de finales del siglo XVIII, y grandes artistas se consagraron a elevar este género de pintura a una nueva dignidad. Joseph Mallord Willian Turner (1775-1851) y el otro John Constable (1776-1837). Existe algo en el contraste entre estos dos que recuerda lo que existió entre Reynolds y Gainsborough, pero en los cincuenta años que separan sus generaciones, el abismo entre las actitudes de los rivales se hizo mayor. Turner fue un artista de éxito extraordinario cuyas obras producían con frecuencia una gran sensación en la Real Academia. Estuvo obsesionado por el problema de la tradición, siendo la ambición de su vida situarse al nivel de Claude Lorrain. Siempre quiso compararse con él, pero la belleza de los cuadros de Lorrain reside en su serenidad y sencillez apacible, en la claridad y precisión de su mundo de ensueño y en la ausencia de efectos estridentes. Turner tubo, visiones de un mundo fantástico bañado de luz y belleza refulgente, pero no fue el suyo apacible sino en movimiento, con una espectacularidad deslumbradora. Amontono en sus cuadros todos los efectos que podían hacerlos más sorprendentes y dramáticos y de haber sido menos artista, este deseo de impresionar al público podría haberles conducido a resultados desastrosos. Fue tan soberbio, pero sus cuadros nos tan la concepción más grandiosa y sublime de la naturaleza.

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En Turner la naturaleza trasluce y expresa siempre emociones humanas; nos sentimos pequeños y abrumados ante las fuerzas que no podemos gobernar, por lo que nos vemos impulsados a admirar al artista que ha tenido a merced suya las fuerzas de la naturaleza. Las ideas de Constable eran muy diferentes. Para el, la tradición con la que quería rivalizar Turner, apenas era otra cosa que un engorro. Él quiso pintar lo que veía con sus propios ojos. No deseaba nada más que la verdad. “Hay espacio suficiente para un pintor normal, el gran vicio de nuestra época es la audacia, el intento de hacer algo más allá de la verdad”. Los paisajistas elegantes tomaban a Lorrain como modelo. Las gamas de color se elaboraban primorosamente.

“Según iba haciéndose mayor se volvió muy excéntrico, quizá su único amigo fue su padre, con el que convivió treinta años y que le ayudó en algunas ocasiones en su estudio, entrando en una profunda depresión tras la muerte de este. Fue como decíamos un pintor romántico, interesado en la filosofía sublime, que supo retratar el asombroso poder de la Naturaleza sobre el hombre: fuegos, catástrofes, hundimientos, fenómenos naturales fueron descritos con una enorme maestría y belleza  por el pintor. En sus lienzos constata que la humanidad no es más que un conjunto de peones de la Naturaleza. ” (Trianarts, 2016)

CLAUDE MONET

“(Claude Oscar Monet; París, 1840 – Giverny, 1926) Pintor francés, figura clave del movimiento impresionista. Sus inclinaciones artísticas nacieron del contacto con Boudin en Le Havre, y las excursiones al campo y la playa durante su adolescencia orientaron el posterior desarrollo de su pintura.

Después del servicio militar en Argelia, regresó a París, donde en el estudio de Gleyre conoció a jóvenes artistas como Renoir, Sisley y Bazille, y en el popular café Guerbois contactó con un grupo de intelectuales, literatos y pintores como Zola, Nadar, Cezanne y Degas, que junto con Monet comenzaban a oponerse al arte establecido.

Los serios problemas económicos y el nacimiento de su hijo ilegítimo, Jean, en 1867, condujeron a Monet a vivir una época de hambre y pobreza extremas, así como a un intento frustrado de suicidio. Durante la contienda franco-prusiana, el artista se refugió en Inglaterra, donde conoció a Pissarro y obtuvo el apoyo económico y la amistad de Paul Durand-Ruel. Allí se interesó mucho por la obra de Turner, que tanto influiría en su percepción de la luz y el color. Según Monet, el pintor que se coloca ante la realidad no debe hacer distinciones entre sentido e intelecto.

A partir de 1872, Monet se interesó por el estanque de Argenteuil como lugar idóneo para adaptar su técnica a la representación rápida del agua y la luz. La obra titulada Monet trabajando en su barco en Argenteuil (1874, Neue Pinakothek, Munich) representa esa especie de laboratorio náutico desde el que el artista podía navegar sobre el agua del estanque apreciando los cambiantes efectos luminosos de su superficie, que reproducía mediante diversas variaciones sobre un mismo tema.

El primero de los ismos modernos tenía ya denominación y Monet era considerado jefe del grupo. A partir de 1890 la pintura de Monet se vuelve más compleja y la inmediatez y la euforia iniciales se transforman en insatisfacción y melancolía, en un difícil intento por conciliar la técnica fresca y expresiva de sus primeros años con búsquedas más profundas y ambiciosas que podían prolongarse durante varios días, meses e incluso años, con la intención de crear obras que encerraran una mayor complejidad: variaciones que en su reiteración temática permitieran enfatizar la investigación de las resoluciones formales.

Allí nacieron también las conocidas series de Ninfeas o nenúfares que, más tarde, se asociaron a las aportaciones de Kandinsky, Klee, Picasso y Braque, como símbolos del nacimiento de la abstracción en la pintura occidental, tras largos siglos de predominio de la representación figurativa.

Cézanne aludió a la capacidad del artista para captar objetiva e inmediatamente la realidad. Sin embargo, su proceso creativo iba más allá de la observación directa de la naturaleza, y empleaba la memoria visual como recurso imprescindible para el acabado de sus composiciones. Las imágenes que se forman en la memoria son percepciones, igual que las determinadas por la visualización de las cosas, y entre ambas puede surgir, como ocurrió en la pintura de Monet, una nueva concepción de la imagen pictórica de la realidad. En sus últimas composiciones de lirios de agua, la forma está prácticamente disuelta en manchas de color, lo que, de algún modo, resulta una anticipación de lo que sería más tarde el arte abstracto.” (Arte España, s.f.)

LA HISTORIA COMO PROCESO PARTE 2

EVOLUCIÓN HISTÓRICA DEL DISEÑO

A pesar de los cambios en muchos niveles de la historia, la naturaleza humana se ha mantenido básicamente inalterada. Somos muy parecidos a los antiguos chinos, sumerios o egipcios. La capacidad humana de diseñar se ha mantenido constante, pero sus medios y métodos si se han modificado, paralelamente a los cambios tecnológicos, organizativos y culturales.

El origen de la capacidad humana de diseñar. ¿Dónde y cuándo los seres humanos empezaron a cambiar su entorno en un grado significativo?

Un instrumento crucial ha sido la mano humana, un miembro particularmente flexible y versátil. Hace cerca de un millón de años se utilizaron los objetos naturales a modo de herramientas e instrumentos que complementaron las capacidades de la mano.

¿Qué herramientas encuentras que podrían ser extensiones de la mano?

Pala, pinzas, cepillo, tenedor, cuchara, vaso, martillo, pico

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El proceso de adaptación implica la capacidad del cerebro humano para comprender las relaciones entre las formas y las funciones. Así el mundo natural ofrecía una gran diversidad de materiales y modelos preexistentes.

  1. Dar durabilidad a ese instrumento fue otro problema.
  2. Y la innovación. Transformar los materiales en formas sin precedentes en la naturaleza.
  3. O, adaptar técnicas, formas y criterios a nuevas finalidades y aplicaciones.

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Un fragmento de lino cuya trama es una adaptación de las técnicas de cestería preexistentes.

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  • Continuidad de las formas
  • Estereotipos
  • Nuevos estereotipos

La escritura y la representación visual desempeñaron un papel determinante. Trascender la experiencia pragmática para llegar al reino de las ideas con las abstracciones. La abstracción permite separar las capacidades de los problemas específicos, a fin de generalizarlas y adaptarlas con flexibilidad a otros problemas. Quizá el mayor ejemplo de abstracción sea el lenguaje.

ACTIVIDAD EN TRES PASOS

En triadas y en los terrenos baldíos alrededor de la escuela:

1.Enumerar posibles usos como herramientas y utensilios a diferentes objetos encontrados en la naturaleza.

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Sostener puertas

Tallar ropa

Romper ventanas

Decoración

Pisapapeles

Crear caminos en jardines

Construcción

Anti robos

Escultura

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Cercado

Marcar un territorio

Protección personal

Rascar

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Hacer cosquillas

Cerveza

Cepillito para limpiar

Adorno

Alimento de ganado

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Bastón

Dibujar en la tierra

Ahuyentar animales

Protección

Facilitador de violencia

Alcanzar cosas lejanas

Hacer fuego

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Abanico

Hacer sombra

Escoba

Plumero

Cosquillas

2.Construir una herramienta, utensilio con elementos naturales. Puede ser innovador o algo ya existente.

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Esta escoba fue creada a base de una rama de un árbol, ya algo seca, que fue encontrada a un costado del ISAD, en el terreno baldío. Para las  cerdas de la escoba se utilizaron un par de follajes secos de palma, las cuales también las encontramos a un costado de la escuela, estas las unimos a la rama con ayuda de la corteza fresa de unas ramas de los árboles que están en el patio posterior del ISAD. Estas quedaron muy bien aseguradas ya que la corteza de las ramas estaba fresca y no seca.

3.Planear una herramienta que no exista en la actualidad.

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Se creó un juguete para gato en base a una rama fresca que podía pelarse para sacar de ella ramas flexibles y delgadas, junto con algunas de sus hojas. Se consiguió una rama fina para utilizarla para sostener la rama flexible. Gracias al movimiento que generaba se pensó en un juguete para gatos o un indicador de viento.

CULTURA DECIMONÓNIC DEL ARTE

EL PAULATINO CAMINO HACIA LA ABSTRACCIÓN

REBELDÍA EN EL MANEJO DE LA IMAGEN

GOYA

Le toco vivir la guerra civil de España, hacer la comparación entre la vida de la corte y lo que sucedió después. (1746-1828) Pinto sobre la guerra civil de España, la burguesía de manera real. Los caprichos es una serie de grabados, se talla con navajas y se saca una edición. La pintura se impregna de la cultura de la maquina.

“La Guerra de la Independencia entre 1808 y 1814 es un momento en que el arte tiene que ponerse al servicio de la patria. Salieron alegorías patrióticas del taller de Goya; lo llama Palafox a Zaragoza para representar las hazañas del primer sitio; y en los últimos meses de la guerra, en 1814, pide permiso a la Regencia para celebrar los hechos heroicos del 2 y del 3 de mayo de 1808 en grandes lienzos. Bajo el régimen de José I había retratado a oficiales franceses y ministros y le dan la orden de España, por mal nombre «la berengena». Pero según los testigos de la época no quiso nunca llevar la insignia, e incluso trató de salir del país. A partir de 1810 empieza a grabar una larga serie de estampas, que no termina por motivos políticos: los llamados Desastres de la guerra. En ellas, lo mismo que en El dos de mayo y Los fusilamientos, destaca el papel del pueblo y demuestra su solidaridad con él. Su apoyo a la Constitución de Cádiz y a la causa liberal se refleja en las estampas alegóricas de los Desastres, hechas después de la guerra, y en muchos dibujos.”(Glendinning, s.f.)

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WILLIAM BLAKE, WILLIAM TURNER, CLAUDE MONET

TRANSICIÓN DE 1700 A 1800. MOVIMIENTOS DE LA REVOLUCIÓN INDUSTRIAL Y SUS CONSECUENCIAS.

La vuelta de la tecnología, lo industrial y citadino, hacia lo natural, orgánico.

“La Revolución Industrial es un periodo histórico comprendido entre la segunda mitad del siglo XVIII y principios del XIX, en el que el Reino Unido primero, y el resto de la Europa continental después, sufren el mayor conjunto de transformaciones socioeconómicas, tecnológicas y culturales de la Historia de la humanidad, desde el Neolítico.

La economía basada en el trabajo manual fue reemplazada por otra dominada por la industria y la manufactura. La revolución comenzó con la mecanización de las industrias textiles y el desarrollo de los procesos del hierro. La expansión del comercio fue favorecida por la mejora de las rutas de transportes y posteriormente por el nacimiento del ferrocarril. Las innovaciones tecnológicas más importantes fueron la máquina de vapor y la denominada Spinning Jenny, una potente máquina relacionada con la industria textil. Estas nuevas máquinas favorecieron enormes incrementos en la capacidad de producción. La producción y desarrollo de nuevos modelos de maquinaria en las dos primeras décadas del siglo XIX facilitó la manufactura en otras industrias e incrementó también su producción.

Las causas de la revolución industrial son diversas, de las cuales destacan las causas demográficas, agrícolas y la mejora de nuevas vías de comunicación y tecnologías. Algunos historiadores la contemplan como el momento en el que se dejaron atrás los cambios sociales e institucionales surgidos con el fin de la etapa feudal británica después de la Guerra Civil Inglesa en el siglo XVI.” (UNAM, s.f.)

Aparece el romanticismo, la literatura sobre el amor, la mitología, se desarrolla principalmente en el Reino Unido, hay fantasía, bosques, hadas. Aparecen los prerrafaelitas, estos movimientos se interpretan como no querer ver lo que sucede en la sociedad.

“A mitades del siglo XIX, al inicio del reinado de la reina Victoria, la pintura inglesa está estancada en las convenciones académicas y se encuentra en un callejón sin salida creativo. En reacción, tres jóvenes estudiantes de la Royal Academy, Hunt, Millais y Rossetti, fundan la cofradía prerrafaelita. Ambicionan crear una nueva pintura, refiriéndose ya no al Renacimiento, sino al arte medieval; aquel anterior a Rafael, libre y auténtico, siguiendo, para ello, los preceptos del influyente teórico victoriano, John Ruskin. Sus cuadros son coloridos, conllevan múltiples símbolos y referencias literarias, sensibles a la naturaleza y a las cuestiones sociales.

La cofradía se disuelve rápidamente, pero sus ideas siguen nutriendo la vanguardia inglesa, durante cerca de cincuenta años. La segunda generación, dominada por Edward Burne-Jones y William Morris, aplica los principios prerrafaelitas a la decoración, al mobiliario y a la ilustración de libros. Más allá de Inglaterra, en particular el universo de Burne-Jones, tendrá una profunda influencia en la corriente simbolista.

Movimiento artístico, exclusivamente británico, el prerrafaelismo nació en Londres, en la sociedad victoriana de finales de los años 1840. Tres jóvenes estudiantes de la Royal Academy, son sus iniciadores. Se llaman William Holman Hunt (1827-1910), John Everett Millais (1829-1896) y Dante Gabriel Rossetti (1828-1882).

En dicha época, la pintura británica se encuentra en un callejón sin salida, presa de las convenciones estrictas, y sometida a los gustos de una clientela con afán de costumbrismo, que conlleve a menudo una moral o un sentimentalismo cursi. Arte vulgar para los tres estudiantes, en rebeldía, que desean “hacer renacer, en la mente de la gente, una buena reflexión”, decía Millais, mediante cuadros que eleven al espectador.”(Musee Orsay, 2006)

Ophelia 1851-2 by Sir John Everett Millais, Bt 1829-1896

William Blake (1757-1827) Hombre profundamente religioso. No pintaba como la pintura oficial, era menospreciado por sus compañeros. Pintaba por una necesidad mística y espiritual muy personal. No importaba que no hubiera anatomía porque era espiritual. Fue parte de una corriente llamada simbolismo. Trabajo casi de igual manera que los artistas medievales, como estaba encomendado a Dios no había necesidades que fuera perfecto.

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William Turner (1775-1851) Dibujaba lo brumoso, las atmosferas, la luz. Son pinturas más sensitivas que racionales. Tuvo visiones de un mundo fantástico lleno de luz, movimiento, amontono en sus cuadros todos los efectos que podían hacerlos más sorprendentes y dramáticos.

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WATERHOUSE

John William Waterhouse nació en Roma el 6 de abril de 1849. Sus padres -ambos artistas según unas fuentes y solamente el padre, según otras- eran de nacionalidad inglesa, pero se trasladaron durante unos años a Roma por motivos de trabajo. En 1850, cuando Nino contaba con un año de edad (diminutivo de Giovannino, nombre con el que era conocido Waterhouse durante su infancia), la familia Waterhouse volvió a Inglaterra.Las obras de Waterhouse están repletas de deidades griegas y romanas, el artista cuenta, a su modo, escenas concretas de los personajes mitológicos, muchas de ellas extraídas de poetas y literatos de la antigüedad. El estilo de las pinturas se denomina Prerrafaelita.

Aunque en vida John William Waterhouse fue un pintor muy exitoso que pudo vivir de su arte, entrado ya el siglo XX su estilo empezó a considerarse caduco, fuera de época -ya que comienzan a manifestarse los nuevos estilos artísticos del “ismo” (Surrealismo, Cubismo…), y su fama decayó. Waterhouse murió de cáncer el 10 de febrero de 1917 en Londres, a la edad de 68 años.“(Cristina, 2012)

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Claude Monet (1840-1926)

Tuvo oportunidad de una muy buena vida. Es considerado el más representativo de la pintura impresionista. Tuvo la oportunidad de morir en la opulencia y disfrutando del éxito de sus cuadros y de su fama. El primer cuadro considerado impresionista “Sol naciente” (1827). Aparece la fotografía, las investigaciones sobre teoría del color. Utilizan mucho los reflejos de la luz sobre el agua. Salen a pintar y se queman en el sol. Gente muy valiente que vivía en un medio social donde las reglas estaban muy establecidas. Buscaban mostrar el movimiento, eliminaron el negro de su paleta de colores.

En algunas pinturas las personas pierden protagonismo. Serie de catedrales pintadas desde las 7 de la mañana hasta las 12 de mediodía. Se pinta muy rápido y en una sola sesión.

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BIBLIOGRAFÍA

Arte España. (n.d.). Retrieved from Monet: http://www.arteespana.com/monet.htm

Biografias y vidas. (n.d.). Retrieved from Goya: http://www.biografiasyvidas.com/monografia/goya/

Biografias y vidas. (n.d.). Retrieved from Blake: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/blake.htm

Cristina. (2012, Enero 01). Pintura y artistas. Retrieved from Las pinturas de mujeres de Waterhouse: http://www.pinturayartistas.com/las-pinturas-de-mujeres-de-waterhouse/

Glendinning, N. (n.d.). Museo del Prado. Retrieved from Goya y lucientes: https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/goya-y-lucientes-francisco-de/4997b179-627f-4680-9612-13a5162b30e0

Musee Orsay. (2006). Retrieved from El Prerrafaelismo: http://www.musee-orsay.fr/es/colecciones/titulares/actualites/el-prerrafaelismo.html

Trianarts. (2016, Diciembre 19). Retrieved from William turner el pintor de la luz: http://trianarts.com/william-turner-el-pintor-de-la-luz/#sthash.EapiFFSO.dpbs

UNAM. (n.d.). Retrieved from Industriales : http://www.ingenieria.unam.mx/industriales/historia/carrera_historia_rev_ind.html

MATERIAL EXTRA

En el siguiente enlace se presenta un video de la historia de los prerrafaelistas de una manera muy resumida y clara Haz click aqui para ver el video

En el video que se adjunta a continuación, aunque largo, es interesante; ya que se presenta una recopilación de todas las obras de Monet en alta definición. Haz click aqui para ver el video

Tambien se presenta un video muy interesante y sintetizado para comprender la revolución industrial Haz click aqui para ver el video

REFLEXIONES Y CONCLUSIONES

La historia del arte, la pintura y todo el aspecto tan sentimental y profundo del arte siempre me ha atraido de una manera muy fuerte. Siempre habia querido leer sobre estos temas pero antes es posible que no estuviera tan motivada a hacerlo como al tener una clase. Me pareció completamente interesante conocer el contexto en el cual las pinturas que conozco y se lo importantes que son se pintaron. Cambia mucho la forma en la que ves las cosas conociendo su historia y su razón de ser.

Creo que hace falta profundizar más en los simbolismos de las pinturas, al mismo tiempo siento que un semestre es muy poco tiempo para abarcar todo aquello que es necesario y que de alguna forma queda en mis manos ese aprendizaje. Espero poder seguir aprendiendo sobre autores importantes que influenciaron una gran cantidad de movimientos.

El arte y el diseño estan en gran medida conectados ya que la forma en la que las personas ven la estética y la retratan en una figura concreta se hace de la misma forma. Al conocer la historia tambien puedo utilizar estas corrientes como conceptos interesantes para mis diseños, para inspirarme en ellos y obtener resultados interesantes.

La actividad que realizamos con objetos de la naturaleza me hizo darme cuenta que no soy tan observadora como debería.

 

 

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